Pedro Matute Villaseñor
pmatute@prodigy.net.mx
Universidad de Guadalajara.
Eje temático: Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
Resumen
La cinematografía mexicana, entendiendo esta como industria cultural del entretenimiento, no puede llegar a consolidarse como hace varias décadas atrás, pese a que muchas de sus producciones son de reconocida calidad y han obtenido diversos galardones en los festivales más importantes del orbe. El problema principal radica en que no todas las películas son exhibidas y las que tienen la suerte de entrar a cartelera, son retiradas en fechas específicas para cederles su lugar a las producciones norteamericanas, no importa que estén teniendo bastante afluencia de público. Esto se debe a que nuestro país se encuentra sometido a los intereses de las oligarquías extranjeras representadas por las trasnacionales de la MPAA que controlan la distribución y exhibición de los films que son proyectados en México y forzaron al entonces presidente Salinas a modificar la Ley de Cinematografía para que el tiempo de pantalla del material nacional pasara del 50 al 10%, entregándoles el mercado nacional, que según dicen es el quinto en importancia mundial. Algo tendrán que hacer los cineastas mexicanos para ir ganando terreno en esta lucha desigual y recuperar a pedazos lo que les fue arrebatado.
Palabras clave: Cinematografía, Mexicana, Oligarquías, Norteamericanas, Controlan.
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El Grito: ícono secular del 2 de octubre de 1968 en Tlatelolco
Fernando Rey Arévalo Zavaleta.
Profesor de carrera. Facultad de Humanidades. Universidad Autónoma de Chiapas. Doctorando en Comunicación. Facultad de Periodismo y Comunicación Social.
Universidad Nacional de La Plata.
arevalof@unach.mx
Eje temático: (6). Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
Resumen:
En esta ponencia se presentan las representaciones, particularmente audiovisuales, del acontecimiento límite registrado el 2 de octubre en Tlatelolco, específicamente el análisis de la producción documental El Grito, México 1968 como escenario de memoria visual colectiva e ícono secular.
Profesor de carrera. Facultad de Humanidades. Universidad Autónoma de Chiapas. Doctorando en Comunicación. Facultad de Periodismo y Comunicación Social.
Universidad Nacional de La Plata.
arevalof@unach.mx
Eje temático: (6). Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
Resumen:
En esta ponencia se presentan las representaciones, particularmente audiovisuales, del acontecimiento límite registrado el 2 de octubre en Tlatelolco, específicamente el análisis de la producción documental El Grito, México 1968 como escenario de memoria visual colectiva e ícono secular.
Publicado por
Cosme A. Rocchio
Levemente desenfocado. Notas para el estudio de la dimensión estética de la fotografía en la cultura de masas
Elizabeth Martínez de Aguirre
Escuela de Comunicación Social – UNRmaguirre@fcpolit.unr.edu.ar
Eje temático: 06. Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
Resumen:
Plantear el estudio de “la fotografía” supone una operación de abstracción ya que, como ha señalado Pavel Büchler, no se trataría de una esencia compartida por muchas fotografías como tampoco de una fotografía en particular sino que es una forma de hablar sobre fotografía, una suerte de convención teórica que problematiza a la fotografía permitiéndonos referirnos a ella destacando alguno de sus rasgos, características o tradiciones. En este marco, las propiedades de la fotografía ubicada en la cultura de masas que nos interesa analizar se alojan en su dimensión estética, una entre otras, que puede ser abordada desde una perspectiva socio-semiótica.
Escuela de Comunicación Social – UNRmaguirre@fcpolit.unr.edu.ar
Eje temático: 06. Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
Resumen:
Plantear el estudio de “la fotografía” supone una operación de abstracción ya que, como ha señalado Pavel Büchler, no se trataría de una esencia compartida por muchas fotografías como tampoco de una fotografía en particular sino que es una forma de hablar sobre fotografía, una suerte de convención teórica que problematiza a la fotografía permitiéndonos referirnos a ella destacando alguno de sus rasgos, características o tradiciones. En este marco, las propiedades de la fotografía ubicada en la cultura de masas que nos interesa analizar se alojan en su dimensión estética, una entre otras, que puede ser abordada desde una perspectiva socio-semiótica.
Publicado por
Cosme A. Rocchio
En blanco y negro: una aproximación a la estética fotográfica de Adriana Lestido
Mirtha Marengo
Escuela de Comunicación Social – UNR
mirthamarengo@gmail.com
Eje temático: 06. Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
Resumen:
Esta exposición se inscribe en el marco del Seminario de Fotoperiodismo “Entre el Documentalismo Gráfico y las Artes Visuales”, correspondiente al 5to año de la carrera de Comunicación Social de la UNR. Y será, en esta tensión entre el documentalismo y el arte, donde se tratará un estudio de caso: Adriana Lestido, fotógrafa argentina, contemporánea. Se intentará reflexionar sobre la estética de esta autora en un recorrido por sus diferentes ensayos, en los que se destaca una fotografía en blanco y negro, directa, testimonial, con una sensibilidad diferente y una marcada tendencia humanista, siempre vinculada al mundo de la mujer.
Escuela de Comunicación Social – UNR
mirthamarengo@gmail.com
Eje temático: 06. Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
Resumen:
Esta exposición se inscribe en el marco del Seminario de Fotoperiodismo “Entre el Documentalismo Gráfico y las Artes Visuales”, correspondiente al 5to año de la carrera de Comunicación Social de la UNR. Y será, en esta tensión entre el documentalismo y el arte, donde se tratará un estudio de caso: Adriana Lestido, fotógrafa argentina, contemporánea. Se intentará reflexionar sobre la estética de esta autora en un recorrido por sus diferentes ensayos, en los que se destaca una fotografía en blanco y negro, directa, testimonial, con una sensibilidad diferente y una marcada tendencia humanista, siempre vinculada al mundo de la mujer.
Publicado por
Cosme A. Rocchio
LUCES Y SOMBRAS
María Crosetti
Escuela de Comunicación Social – UNR
mariacrosetti@hotmail.com
Eje temático: 06. Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
Resumen:
Este trabajo surge en el marco del cursado de la cátedra Fotoperiodismo: entre el documentalismo gráfico y las artes visuales, para luego transformarse en Tesina de grado. Pretende indagar críticamente dos textos de Susan Sontag sobre lo fotográfico, Sobre la fotografía y Ante el dolor de los demás. En primer lugar se desarrolla el conflictivo vínculo entre fotografía y realidad, confrontando los aportes de Sontag con lo de Joan Fontcuberta en El beso de judas. ¿Son las fotografía evidencia de lo real? ¿Qué acceso tenemos a lo real a través de las imágenes fotográficas? ¿Cómo se modifica lo que se entiende por real con la aparición de la imagen fotográfica? A partir de este análisis se desprende un tipo particular de fotografía, la fotoperiodística, que supone rinde cuenta de la experiencia de un profesional en contacto con la realidad. En relación a ésta, se planteará el problema del sentido de la imagen fotográfica una vez publicada en los medios. Por último, se reflexiona sobre la forma de acceso a la experiencia ajena, inaugurada por la fotografía, que implica la mediación de la imagen de captura mecánica. ¿Pueden las imágenes fotográficas acercarnos a la experiencia de convivir con el dolor de los demás?
Escuela de Comunicación Social – UNR
mariacrosetti@hotmail.com
Eje temático: 06. Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
Resumen:
Este trabajo surge en el marco del cursado de la cátedra Fotoperiodismo: entre el documentalismo gráfico y las artes visuales, para luego transformarse en Tesina de grado. Pretende indagar críticamente dos textos de Susan Sontag sobre lo fotográfico, Sobre la fotografía y Ante el dolor de los demás. En primer lugar se desarrolla el conflictivo vínculo entre fotografía y realidad, confrontando los aportes de Sontag con lo de Joan Fontcuberta en El beso de judas. ¿Son las fotografía evidencia de lo real? ¿Qué acceso tenemos a lo real a través de las imágenes fotográficas? ¿Cómo se modifica lo que se entiende por real con la aparición de la imagen fotográfica? A partir de este análisis se desprende un tipo particular de fotografía, la fotoperiodística, que supone rinde cuenta de la experiencia de un profesional en contacto con la realidad. En relación a ésta, se planteará el problema del sentido de la imagen fotográfica una vez publicada en los medios. Por último, se reflexiona sobre la forma de acceso a la experiencia ajena, inaugurada por la fotografía, que implica la mediación de la imagen de captura mecánica. ¿Pueden las imágenes fotográficas acercarnos a la experiencia de convivir con el dolor de los demás?
Publicado por
Cosme A. Rocchio
Después del fin del cine
Autor: Lic. Fabián A. Soberón
fsoberon2003@yahoo.com.ar
Eje: 06. Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
Resumen:
Hace ya un tiempo que se ha propuesto una fórmula para sintetizar la situación del cine de las últimas décadas: se ha hablado de la muerte del cine. Del mismo modo que se ha pensado la muerte de la historia, del hombre, de la razón, se ha sostenido la muerte del cine.
Este trabajo se propone indagar cuál es el sentido de esa expresión: ¿estamos atravesando un período que puede ser caracterizado como la muerte del cine? Y si la respuesta es afirmativa: ¿en qué consiste? ¿Cuáles son los factores y las características de la situación que han llevado a sostener la muerte del cine? Al indagar en la historia del cine, resulta evidente que ha habido otras muertes anteriores a la reciente. ¿Por qué razón se piensa que esta es la verdadera muerte del cine?
El título del trabajo hace referencia a un libro clásico de Arthur Danto llamado “Después del fin del arte“. Danto discute los modos de entender las formas de producción del arte en la historia y los relatos que se han elaborado alrededor de esa producción. Siguiendo la hipótesis central de Danto, en este trabajo sostenemos que se ha producido el fin de un modo de entender el cine, es decir, el fin de un relato sobre el cine. Este fin no implica el fin de los relatos posibles o de los modos de producción, de circulación y de comprensión del cine. Nos proponemos, entonces, dilucidar cuáles son los modos en los que se presenta el cine después del fin del cine. Dicho de una manera borgeana: ¿Qué suerte le queda al cine después del fin del cine? ¿Se trata acaso de la continuación por otros medios de la tradición cinematográfica o del surgimiento de un modo diferente de producción, de circulación y de comprensión del fenómeno cinematográfico? Estas preguntas nos obligan a hacernos una más general, una indagación ontológica: ¿en qué se ha convertido el cine en los últimos tiempos?
fsoberon2003@yahoo.com.ar
Eje: 06. Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
Resumen:
Hace ya un tiempo que se ha propuesto una fórmula para sintetizar la situación del cine de las últimas décadas: se ha hablado de la muerte del cine. Del mismo modo que se ha pensado la muerte de la historia, del hombre, de la razón, se ha sostenido la muerte del cine.
Este trabajo se propone indagar cuál es el sentido de esa expresión: ¿estamos atravesando un período que puede ser caracterizado como la muerte del cine? Y si la respuesta es afirmativa: ¿en qué consiste? ¿Cuáles son los factores y las características de la situación que han llevado a sostener la muerte del cine? Al indagar en la historia del cine, resulta evidente que ha habido otras muertes anteriores a la reciente. ¿Por qué razón se piensa que esta es la verdadera muerte del cine?
El título del trabajo hace referencia a un libro clásico de Arthur Danto llamado “Después del fin del arte“. Danto discute los modos de entender las formas de producción del arte en la historia y los relatos que se han elaborado alrededor de esa producción. Siguiendo la hipótesis central de Danto, en este trabajo sostenemos que se ha producido el fin de un modo de entender el cine, es decir, el fin de un relato sobre el cine. Este fin no implica el fin de los relatos posibles o de los modos de producción, de circulación y de comprensión del cine. Nos proponemos, entonces, dilucidar cuáles son los modos en los que se presenta el cine después del fin del cine. Dicho de una manera borgeana: ¿Qué suerte le queda al cine después del fin del cine? ¿Se trata acaso de la continuación por otros medios de la tradición cinematográfica o del surgimiento de un modo diferente de producción, de circulación y de comprensión del fenómeno cinematográfico? Estas preguntas nos obligan a hacernos una más general, una indagación ontológica: ¿en qué se ha convertido el cine en los últimos tiempos?
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Cosme A. Rocchio
CINE Y MEMORIA: LÍMITES Y OPULENCIA EN LA REPRESENTACIÓN CINEMATOGRÁFICA
AUTOR: Dra. Stella Maris Poggian
UNIVERSIDAD NACIONAL DEL COMAHUE; INSTITUTO UNIVERSITARIO PATAGONICO DE LAS ARTES
EJE TEMÁTICO: 6. CINE, FOTOGRAFIA Y NUEVAS CULTURAS DE LA IMAGEN
E-MAIL: smpoggian@speedy.com.ar / smpoggian@gmail.com
Resumen:
El cine contribuyó desde su nacimiento tanto a encarnar la realidad como a fabularla. En esas dos líneas encontró también formas discursivas para poner en escena temáticas vinculadas con la memoria y la historia.
El papel pedagógico que desarrolló, en tanto vehiculo informativo y reflexivo de contenidos, no sólo permitió establecer tipologías de género, sino estéticas y sociológicas. Esto implicó que la utilización de sus posibles narrativos se desplegara tanto en el desarrollo de la vida cotidiana como en materiales didácticos de discusión y análisis.
En la ponencia analizamos algunos filmes vinculados a la transición española y a la apertura democrática en Argentina vinculados con los pasados recientes en conflicto. En ese escenario nos interesa observar cómo la representación artística contribuyó a revisar situaciones complejas desde la comunicación y el lenguaje cinematográfico.
El recorrido tiene dos vías: los estudios realizados hasta el momento en el marco de una investigación interdisciplinaria y la experiencia didáctica al revisar los límites en la representación artística.
La riqueza de obras realizadas a la luz de las libertades democráticas de ambos países amerita la revisión y análisis desde la perspectiva de la comunicación. La escenificación de la posguerra española y la dictadura militar con sus secuelas de exilios, desapariciones y situaciones traumáticas, proporcionó obras artísticas que prevalecerán con su capacidad expresiva para comprender el pasado y no repetirlo.
El trabajo intenta sintetizar diez años de estudios académicos realizados tanto en España como en Argentina vinculados con la representación cinematográfica en el marco del análisis comunicacional.
UNIVERSIDAD NACIONAL DEL COMAHUE; INSTITUTO UNIVERSITARIO PATAGONICO DE LAS ARTES
EJE TEMÁTICO: 6. CINE, FOTOGRAFIA Y NUEVAS CULTURAS DE LA IMAGEN
E-MAIL: smpoggian@speedy.com.ar / smpoggian@gmail.com
Resumen:
El cine contribuyó desde su nacimiento tanto a encarnar la realidad como a fabularla. En esas dos líneas encontró también formas discursivas para poner en escena temáticas vinculadas con la memoria y la historia.
El papel pedagógico que desarrolló, en tanto vehiculo informativo y reflexivo de contenidos, no sólo permitió establecer tipologías de género, sino estéticas y sociológicas. Esto implicó que la utilización de sus posibles narrativos se desplegara tanto en el desarrollo de la vida cotidiana como en materiales didácticos de discusión y análisis.
En la ponencia analizamos algunos filmes vinculados a la transición española y a la apertura democrática en Argentina vinculados con los pasados recientes en conflicto. En ese escenario nos interesa observar cómo la representación artística contribuyó a revisar situaciones complejas desde la comunicación y el lenguaje cinematográfico.
El recorrido tiene dos vías: los estudios realizados hasta el momento en el marco de una investigación interdisciplinaria y la experiencia didáctica al revisar los límites en la representación artística.
La riqueza de obras realizadas a la luz de las libertades democráticas de ambos países amerita la revisión y análisis desde la perspectiva de la comunicación. La escenificación de la posguerra española y la dictadura militar con sus secuelas de exilios, desapariciones y situaciones traumáticas, proporcionó obras artísticas que prevalecerán con su capacidad expresiva para comprender el pasado y no repetirlo.
El trabajo intenta sintetizar diez años de estudios académicos realizados tanto en España como en Argentina vinculados con la representación cinematográfica en el marco del análisis comunicacional.
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Cosme A. Rocchio
LA ENUNCIACIÓN EN VERTIGO DE ALFRED HITCHCOCK: PARA UNA REDEFINICION DE LA PROBLEMÁTICA DEL PUNTO DE VISTA
Nombre: Pablo Messuti
Institución: IDAES/UBA
Eje Temático: Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
DNI: 26.885.890
Mail: pablo.messuti@gmail.com
Resumen:
Reflexionar en torno a la problemática de la enunciación en el cine contemporáneo supone revisar toda una tradición dentro del análisis del discurso que procuró redefinir un conjunto de categorías semiológicas con el fin de readaptarlas para el estudio y el análisis del film como objeto teórico. Al esbozar novedosos interrogantes sobre el discurso fílmico, introduciendo las principales alternativas y posibilidades que brinda el estudio de la problemática del “punto de vista” en el cine clásico y el cine moderno, estas teorías inauguraron un nuevo campo de estudio dentro del análisis del discurso. En Vértigo se concentran gran parte de de los interrogantes planteados en torno al problema de la enunciación. El film de Hitchcock desarrolla plenamente varias de las posibilidades que brinda el uso de la cámara subjetiva, al construir escenarios en donde la distinción entre el punto de vista objetivo y subjetivo se hace difícil de precisar. Precisamente en ello radica la riqueza de este film para repensar algunas cuestiones relativas a la teoría de la enunciación y redefinir los parámetros desde donde concebimos el problema del punto de vista.
Institución: IDAES/UBA
Eje Temático: Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
DNI: 26.885.890
Mail: pablo.messuti@gmail.com
Resumen:
Reflexionar en torno a la problemática de la enunciación en el cine contemporáneo supone revisar toda una tradición dentro del análisis del discurso que procuró redefinir un conjunto de categorías semiológicas con el fin de readaptarlas para el estudio y el análisis del film como objeto teórico. Al esbozar novedosos interrogantes sobre el discurso fílmico, introduciendo las principales alternativas y posibilidades que brinda el estudio de la problemática del “punto de vista” en el cine clásico y el cine moderno, estas teorías inauguraron un nuevo campo de estudio dentro del análisis del discurso. En Vértigo se concentran gran parte de de los interrogantes planteados en torno al problema de la enunciación. El film de Hitchcock desarrolla plenamente varias de las posibilidades que brinda el uso de la cámara subjetiva, al construir escenarios en donde la distinción entre el punto de vista objetivo y subjetivo se hace difícil de precisar. Precisamente en ello radica la riqueza de este film para repensar algunas cuestiones relativas a la teoría de la enunciación y redefinir los parámetros desde donde concebimos el problema del punto de vista.
Publicado por
Cosme A. Rocchio
“GUARISOVE, LOS OLVIDADOS” COMO RESULTADO DE OPCIONES DISCURSIVAS DE UN AGENTE SOCIAL DETERMINADO
Corina Ilardo
Universidad Nacional de Córdoba
Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
cilardo@gmail.com
Resumen:
El análisis de las prácticas discursivas en tanto procesos de producción y circulación de sentidos supone el desplazamiento de la mera consideración del texto/producto al estudio de “los procesos que llevan a cabo agentes sociales tanto en producción como en recepción” (Costa-Mozejko, 2002). En uno y otro momento, los agentes seleccionan, y con ello enfatizan, sobre cuestiones diferenciales y particulares.
Desde esta perspectiva, el texto es entendido como “espacio de circulación de sentidos” (Costa-Mozejko, 2002). De aquí que preguntar por los sentidos de una práctica discursiva cualquiera (sea literaria, musical, cinematográfica, entre otras), supone, al mismo tiempo, indagar en las condiciones sociales presentes tanto en el momento de generación como en el de interpretación, momentos de un proceso en el que el texto funciona como articulador.
Así, es posible postular que el agente social realiza opciones al elaborar un discurso “en el marco de las posibilidades y limitaciones” en que se halla. Por lo tanto, el producto de su trabajo (el discurso y los sentidos que el texto vehiculiza) se relaciona, en forma “coherente”, con el “lugar” desde el que dicho agente trabaja (Costa-Mozejko, 2002)
El objetivo de este trabajo es analizar el cortometraje “Guarisove. Los olvidados” de Bruno Stagnaro como resultado de una serie de opciones realizadas desde el “lugar” que éste, en tanto que agente social, ocupa en el campo cinematográfico argentino.
Universidad Nacional de Córdoba
Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
cilardo@gmail.com
Resumen:
El análisis de las prácticas discursivas en tanto procesos de producción y circulación de sentidos supone el desplazamiento de la mera consideración del texto/producto al estudio de “los procesos que llevan a cabo agentes sociales tanto en producción como en recepción” (Costa-Mozejko, 2002). En uno y otro momento, los agentes seleccionan, y con ello enfatizan, sobre cuestiones diferenciales y particulares.
Desde esta perspectiva, el texto es entendido como “espacio de circulación de sentidos” (Costa-Mozejko, 2002). De aquí que preguntar por los sentidos de una práctica discursiva cualquiera (sea literaria, musical, cinematográfica, entre otras), supone, al mismo tiempo, indagar en las condiciones sociales presentes tanto en el momento de generación como en el de interpretación, momentos de un proceso en el que el texto funciona como articulador.
Así, es posible postular que el agente social realiza opciones al elaborar un discurso “en el marco de las posibilidades y limitaciones” en que se halla. Por lo tanto, el producto de su trabajo (el discurso y los sentidos que el texto vehiculiza) se relaciona, en forma “coherente”, con el “lugar” desde el que dicho agente trabaja (Costa-Mozejko, 2002)
El objetivo de este trabajo es analizar el cortometraje “Guarisove. Los olvidados” de Bruno Stagnaro como resultado de una serie de opciones realizadas desde el “lugar” que éste, en tanto que agente social, ocupa en el campo cinematográfico argentino.
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Cosme A. Rocchio
Análisis y descrip de las etapas y pautas del desarrollo de la Producción de la pieza Audiovisual: El Documental, Diez años del HC-Punk en Tucumán
Carlos Alberto Hitos
Eje temático: Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
Resumen:
El trabajo está situado en el campo de la Comunicación y Producción Audiovisual. Planteando el análisis de las etapas de trabajo y la finalización de un documental.
De esta forma el proyecto implica, por un lado, la investigación de las etapas desde el desarrollo del proyecto; como la preproducción, producción y postproducción audiovisual hasta su distribución. Y por otro el trabajo específicamente práctico de investigación del tema, registro, edición y distribución del documental.
La escena Hard Core-punk de Tucumán es el tema del documental. Se propone contar los detalles que representan la historia de cultura Hard Core punk. Relatar la evolución, características y tensiones de este movimiento. Los recitales, los integrantes de las bandas más relevantes, los organizadores, el legado, la amistad, la autogestión, el estilo. Son las características del movimiento juvenil que se priorizaron en el esquema de trabajo.
Tomamos la descripción-análisis de la Producción y creación de una pieza audiovisual orientada al documental, sobre un posible acercamiento a la historia del HC-Punk, como ejes principales de trabajo. Planteando las distintas acciones, decisiones y variantes para la formación del sentido, orientación e ilustración del documental, también como objeto de investigación para referencia a futuras elaboraciones documentales o de similar planteo.
Eje temático: Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
Resumen:
El trabajo está situado en el campo de la Comunicación y Producción Audiovisual. Planteando el análisis de las etapas de trabajo y la finalización de un documental.
De esta forma el proyecto implica, por un lado, la investigación de las etapas desde el desarrollo del proyecto; como la preproducción, producción y postproducción audiovisual hasta su distribución. Y por otro el trabajo específicamente práctico de investigación del tema, registro, edición y distribución del documental.
La escena Hard Core-punk de Tucumán es el tema del documental. Se propone contar los detalles que representan la historia de cultura Hard Core punk. Relatar la evolución, características y tensiones de este movimiento. Los recitales, los integrantes de las bandas más relevantes, los organizadores, el legado, la amistad, la autogestión, el estilo. Son las características del movimiento juvenil que se priorizaron en el esquema de trabajo.
Tomamos la descripción-análisis de la Producción y creación de una pieza audiovisual orientada al documental, sobre un posible acercamiento a la historia del HC-Punk, como ejes principales de trabajo. Planteando las distintas acciones, decisiones y variantes para la formación del sentido, orientación e ilustración del documental, también como objeto de investigación para referencia a futuras elaboraciones documentales o de similar planteo.
Publicado por
Cosme A. Rocchio
EL CINE Y EL PODER DE LAS IMÁGENES
Autor: José Guzzi
U.N.T.
Eje: Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
E mail. joseguzzi@hotmail.com
Resumen:
¿Puede alguien discutir, en la actualidad, el poder de las imágenes que tiene el cine? Uno de los debates indeclinables en la historia del séptimo arte refleja la dialéctica que se remonta sobre la cuestión de si el cine se constituye por la palabra o por la imagen. Desde mi perspectiva, no puede prescindirse de alguna de estas aristas y concebir una obra cinematográfica como resultado de la preeminencia de una o la otra.
Este trabajo intenta ilustrar la fuerza que tienen las imágenes en lo que respecta al mecanismo de representación propio del cine y cómo, a diferencia del cine clásico o del moderno, el cine actual (posmoderno si se quiere) recurre a una mezcla de estilos y una yuxtaposición de recursos narrativos y visuales que dan como resultado un pastiche que, por un lado, se aleja de la realidad, pero que impacta fuertemente sobre ella. Para ello se intentará hacer un análisis crítico, desde una perspectiva filosófica, del filme Redacted (2007) de Brian De Palma. Al respecto, aparece subordinada una reflexión acerca de la otredad y las implicancias éticas que conlleva un cine eminentemente político.
U.N.T.
Eje: Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
E mail. joseguzzi@hotmail.com
Resumen:
¿Puede alguien discutir, en la actualidad, el poder de las imágenes que tiene el cine? Uno de los debates indeclinables en la historia del séptimo arte refleja la dialéctica que se remonta sobre la cuestión de si el cine se constituye por la palabra o por la imagen. Desde mi perspectiva, no puede prescindirse de alguna de estas aristas y concebir una obra cinematográfica como resultado de la preeminencia de una o la otra.
Este trabajo intenta ilustrar la fuerza que tienen las imágenes en lo que respecta al mecanismo de representación propio del cine y cómo, a diferencia del cine clásico o del moderno, el cine actual (posmoderno si se quiere) recurre a una mezcla de estilos y una yuxtaposición de recursos narrativos y visuales que dan como resultado un pastiche que, por un lado, se aleja de la realidad, pero que impacta fuertemente sobre ella. Para ello se intentará hacer un análisis crítico, desde una perspectiva filosófica, del filme Redacted (2007) de Brian De Palma. Al respecto, aparece subordinada una reflexión acerca de la otredad y las implicancias éticas que conlleva un cine eminentemente político.
Publicado por
Cosme A. Rocchio
POSIBILIDADES E IMPOSIBILIDADES DE LO POLÍTICO EN LA REFLEXIVIDAD AUDIOVISUAL
Pedro Arturo Gómez
Universidad Nacional de Tucumán (UNT)
Universidad Católica de Santiago del Estero (UCSE)
Eje temático 5: Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen.
peargo@uolsinectis.com.ar
Resumen:
En la mediatización audiovisual de la realidad, el cine y la televisión, a lo largo de sus respectivos períodos, han desarrollado —aunque de manera desfasada— modalidades de reflexividad metatextual. Este trabajo examina los efectos de sentido y la función política de estas operaciones discursivas que acentúan la enunciación, atendiendo a la especificidad de los dispositivos cinematográfico y televisivo, con especial atención a los géneros de la no-ficción. Sobre la base de un supuesto vínculo privilegiado con la realidad propio del documentalismo cinematográfico y del directo televisivo no-ficcional, se revisa y reformula la noción de “dispositivo” para su aplicación a la semiosis del cine y la televisión, introduciendo la elaboración conceptual de Michel Foucault, indispensable para una exploración de la dimensión política. La hipótesis básica es que determinados rasgos característicos del dispositivo televisivo en su variante no-ficcional —la estrategia comunicativa de la “atracción”, la intensidad dramática y el tono lúdico-festivo-afectivo— obturan en las llamadas “neo-televisión” y “meta-televisión” las posibilidades de una auténtica denuncia de las condiciones de producción y su consiguiente efecto de sentido crítico y político. Mientras la reflexividad del documental cinematográfico en sus etapas moderna y contemporánea continúa su inicial vocación de verdad en cuanto aletheia (desocultamiento), proyectándola hacia la autoindagación deconstructiva, en la no-ficción televisiva la reflexividad no escapa de la espectacularización de la realidad, con lo cual resulta incapaz de una exploración crítica de los recursos y límites de su representación.
Universidad Nacional de Tucumán (UNT)
Universidad Católica de Santiago del Estero (UCSE)
Eje temático 5: Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen.
peargo@uolsinectis.com.ar
Resumen:
En la mediatización audiovisual de la realidad, el cine y la televisión, a lo largo de sus respectivos períodos, han desarrollado —aunque de manera desfasada— modalidades de reflexividad metatextual. Este trabajo examina los efectos de sentido y la función política de estas operaciones discursivas que acentúan la enunciación, atendiendo a la especificidad de los dispositivos cinematográfico y televisivo, con especial atención a los géneros de la no-ficción. Sobre la base de un supuesto vínculo privilegiado con la realidad propio del documentalismo cinematográfico y del directo televisivo no-ficcional, se revisa y reformula la noción de “dispositivo” para su aplicación a la semiosis del cine y la televisión, introduciendo la elaboración conceptual de Michel Foucault, indispensable para una exploración de la dimensión política. La hipótesis básica es que determinados rasgos característicos del dispositivo televisivo en su variante no-ficcional —la estrategia comunicativa de la “atracción”, la intensidad dramática y el tono lúdico-festivo-afectivo— obturan en las llamadas “neo-televisión” y “meta-televisión” las posibilidades de una auténtica denuncia de las condiciones de producción y su consiguiente efecto de sentido crítico y político. Mientras la reflexividad del documental cinematográfico en sus etapas moderna y contemporánea continúa su inicial vocación de verdad en cuanto aletheia (desocultamiento), proyectándola hacia la autoindagación deconstructiva, en la no-ficción televisiva la reflexividad no escapa de la espectacularización de la realidad, con lo cual resulta incapaz de una exploración crítica de los recursos y límites de su representación.
Publicado por
Cosme A. Rocchio
POLÍTICAS DE LA VIOLENCIA EN EL CINE CONTEMPORÁNEO
Grupo de Estudios 5
Pedro Arturo Gómez (coord.)
Agustín Conde De Boeck, Ana Daneri, Pablo Giori. Máximo Mena
Universidad Nacional de Tucumán
Eje temático 5: Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
peargo@uolsinectis.com.ar
Resumen:
Las industrias culturales se han convertido en el principal proveedor de violencia ritualizada, en particular medios audiovisuales como el cine y la televisión. En el cine, el aumento e intensificación de los contenidos violentos han ido de la mano de la espectacularización dentro del mainstream, pero también de exploraciones estéticas y críticas propias del llamado cine independiente o de autor. En el presente trabajo continuamos con nuestras indagaciones en torno a la representación cinematográfica de la violencia, con énfasis en los efectos simbólicos políticos de su puesta en escena en el cine contemporáneo. Partimos de una revisión de los alcances y límites del análisis político de la producción simbólica, tanto en lo que hace a la dimensión política de los discursos mediáticos como a las posibilidades de lecturas políticas de esa producción discursiva, con el propósito de elaborar bases teórico-metodológicas de abordaje. Especial atención dedicamos a los usos deconstructivos de la representación de actos violentos que hacen referencia a la violencia como código, a la manera de estrategias que persiguen la contestación con respecto a regímenes simbólicos vigentes en una determinada sociedad. Con estos objetivos, nos concentramos en el estudio del uso que se hace de la violencia en dos filmes mexicanos recientes: Batalla en el cielo (Carlos Reygadas, 2005) y Sangre (Amat Escalante, 2005).
Pedro Arturo Gómez (coord.)
Agustín Conde De Boeck, Ana Daneri, Pablo Giori. Máximo Mena
Universidad Nacional de Tucumán
Eje temático 5: Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
peargo@uolsinectis.com.ar
Resumen:
Las industrias culturales se han convertido en el principal proveedor de violencia ritualizada, en particular medios audiovisuales como el cine y la televisión. En el cine, el aumento e intensificación de los contenidos violentos han ido de la mano de la espectacularización dentro del mainstream, pero también de exploraciones estéticas y críticas propias del llamado cine independiente o de autor. En el presente trabajo continuamos con nuestras indagaciones en torno a la representación cinematográfica de la violencia, con énfasis en los efectos simbólicos políticos de su puesta en escena en el cine contemporáneo. Partimos de una revisión de los alcances y límites del análisis político de la producción simbólica, tanto en lo que hace a la dimensión política de los discursos mediáticos como a las posibilidades de lecturas políticas de esa producción discursiva, con el propósito de elaborar bases teórico-metodológicas de abordaje. Especial atención dedicamos a los usos deconstructivos de la representación de actos violentos que hacen referencia a la violencia como código, a la manera de estrategias que persiguen la contestación con respecto a regímenes simbólicos vigentes en una determinada sociedad. Con estos objetivos, nos concentramos en el estudio del uso que se hace de la violencia en dos filmes mexicanos recientes: Batalla en el cielo (Carlos Reygadas, 2005) y Sangre (Amat Escalante, 2005).
Publicado por
Cosme A. Rocchio
EL CINE DE JOHN CARPENTER 76-88: MUTANDO EL SUEÑO AMERICANO.
Autor: Amadeo Gandolfo
Filiación Institucional: Facultad de Filosofía y Letras, Licenciado en Historia.
Eje Temático: 6. Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
Dirección Electrónica: snark84@gmail.com
Resumen:
Este trabajo busca analizar el cine de John Carpenter entre el 76 y el 88 desde la perspectiva teórica del detournement. Este concepto, acuñado por los situacionistas en los 60, define una estrategia artística que consiste en tomar los elementos de una obra pre-existente y “re-dirigirlos” para componer una obra nueva que, en general, pervierte la intención original para convertirla en algo subversivo u oscuro.
Consideramos que el cine de Carpenter en este período realiza un trabajo similar, pero con elementos que podemos considerar simbólicos y pertenecientes al ámbito ideológico, más que artísticos, que forman parte de las múltiples facetas de esa quimera conocida como “sueño americano”. Su cine los re-contextualiza volviendo su significado profundamente siniestro y amenazador. Los suburbios se vuelven un lugar aterrador en “Halloween”, el precinto de policía demuestra su inefectividad en “Assault on Precint 13” o la historia de éxito y codicia de los años 80 se transforma en una metáfora para la dominación mental y la invasión en “They Live”.
Observando la filmografía de Carpenter en el período rastrearemos estos indicios para arrojar luz sobre la visión del cineasta de los Estados Unidos, donde los sueños siempre viran en pesadillas y alucinaciones.
Filiación Institucional: Facultad de Filosofía y Letras, Licenciado en Historia.
Eje Temático: 6. Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
Dirección Electrónica: snark84@gmail.com
Resumen:
Este trabajo busca analizar el cine de John Carpenter entre el 76 y el 88 desde la perspectiva teórica del detournement. Este concepto, acuñado por los situacionistas en los 60, define una estrategia artística que consiste en tomar los elementos de una obra pre-existente y “re-dirigirlos” para componer una obra nueva que, en general, pervierte la intención original para convertirla en algo subversivo u oscuro.
Consideramos que el cine de Carpenter en este período realiza un trabajo similar, pero con elementos que podemos considerar simbólicos y pertenecientes al ámbito ideológico, más que artísticos, que forman parte de las múltiples facetas de esa quimera conocida como “sueño americano”. Su cine los re-contextualiza volviendo su significado profundamente siniestro y amenazador. Los suburbios se vuelven un lugar aterrador en “Halloween”, el precinto de policía demuestra su inefectividad en “Assault on Precint 13” o la historia de éxito y codicia de los años 80 se transforma en una metáfora para la dominación mental y la invasión en “They Live”.
Observando la filmografía de Carpenter en el período rastrearemos estos indicios para arrojar luz sobre la visión del cineasta de los Estados Unidos, donde los sueños siempre viran en pesadillas y alucinaciones.
Publicado por
Cosme A. Rocchio
FRONTERAS DEL HIPERREALISMO: LOS SIGNOS ALTERNATIVOS Y SU RECONCEPCIÓN AUDIOVISUAL EN LAS ADAPTACIONES CINEMATOGRÁFICAS DE EL PERFUME DE PATRICK SÜSKI
Titulo completo: FRONTERAS DEL HIPERREALISMO:
LOS SIGNOS ALTERNATIVOS Y SU RECONCEPCIÓN AUDIOVISUAL EN LAS ADAPTACIONES CINEMATOGRÁFICAS DE EL PERFUME DE PATRICK SÜSKIND Y ENSAYO SOBRE LA CEGUERA DE JOSÉ SARAMAGO
José Agustín Conde De Boeck
Facultad de Filosofía y Letras – Universidad Nacional de Tucumán
josecondeboeck@hotmail.com
Eva Verónica Lencina
Facultad de Filosofía y Letras – Universidad Nacional de Tucumán
misaki_488@hotmail.com
Eje temático 6: Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
Resumen:
Fredric Jameson concibe la experiencia estética del hiperrealismo como la forma artística paradigmática del capitalismo tardío. En un intento de dar cuenta de las condiciones en que la postmodernidad asume aquello que para la estética tradicional se denomina “lo sublime”, Jameson destaca el estatuto sintomático del hiperrealismo. La verdad y la falsedad serían desbancadas en el mundo postmoderno por una absoluta hegemonía de lo visual. La imagen, erigida en ídolo, se convierte en mercancía.
Frente a esto comienzan a surgir propuestas que intentan conciliar la hegemonía de lo visual con la representación de otros sentidos, como el olfativo o el táctil, abriendo así nuevos horizontes a la experiencia estética del hiperrealismo.
En este trabajo analizaremos dos propuestas cinematográficas recientes: El perfume (Das Parfum - 2006) de Tom Tykwer y Ceguera (Blindness - 2008) de Fernando Meirelles, ambas adaptaciones respectivas de obras de Patrick Süskind y José Saramago, y ambas también centradas en la representación de un sentido alternativo al audiovisual: el olfativo y el táctil. Estas transposiciones se configuran como objetos de estudio ideales para el estudio de la reintegración y reconcepción de las experiencias estéticas alternativas al código hegemónico del hiperrealismo, que es el del régimen discursivo audiovisual.
LOS SIGNOS ALTERNATIVOS Y SU RECONCEPCIÓN AUDIOVISUAL EN LAS ADAPTACIONES CINEMATOGRÁFICAS DE EL PERFUME DE PATRICK SÜSKIND Y ENSAYO SOBRE LA CEGUERA DE JOSÉ SARAMAGO
José Agustín Conde De Boeck
Facultad de Filosofía y Letras – Universidad Nacional de Tucumán
josecondeboeck@hotmail.com
Eva Verónica Lencina
Facultad de Filosofía y Letras – Universidad Nacional de Tucumán
misaki_488@hotmail.com
Eje temático 6: Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
Resumen:
Fredric Jameson concibe la experiencia estética del hiperrealismo como la forma artística paradigmática del capitalismo tardío. En un intento de dar cuenta de las condiciones en que la postmodernidad asume aquello que para la estética tradicional se denomina “lo sublime”, Jameson destaca el estatuto sintomático del hiperrealismo. La verdad y la falsedad serían desbancadas en el mundo postmoderno por una absoluta hegemonía de lo visual. La imagen, erigida en ídolo, se convierte en mercancía.
Frente a esto comienzan a surgir propuestas que intentan conciliar la hegemonía de lo visual con la representación de otros sentidos, como el olfativo o el táctil, abriendo así nuevos horizontes a la experiencia estética del hiperrealismo.
En este trabajo analizaremos dos propuestas cinematográficas recientes: El perfume (Das Parfum - 2006) de Tom Tykwer y Ceguera (Blindness - 2008) de Fernando Meirelles, ambas adaptaciones respectivas de obras de Patrick Süskind y José Saramago, y ambas también centradas en la representación de un sentido alternativo al audiovisual: el olfativo y el táctil. Estas transposiciones se configuran como objetos de estudio ideales para el estudio de la reintegración y reconcepción de las experiencias estéticas alternativas al código hegemónico del hiperrealismo, que es el del régimen discursivo audiovisual.
Publicado por
Cosme A. Rocchio
LA POSESIÓN DEMONÍACA EN THE EXORCIST DE WILLIAM FRIEDKIN: UNA LECTURA PSICOCRÍTICA
José Agustín Conde De Boeck
Facultad de Filosofía y Letras – Universidad Nacional de Tucumán
josecondeboeck@hotmail.com
Eje temático 6: Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
Resumen:
Tomando como ejemplo la adaptación del psicoanálisis lacaniano realizada por Slavoj Zizek para el análisis de la cultura de masas, en este trabajo procuraremos dar cuenta de las diversas perspectivas que una lectura psicocrítica puede abrir en la interpretación de uno de los filmes más controvertidos de la historia del cine: The Exorcist (1973) de William Friedkin.
Facultad de Filosofía y Letras – Universidad Nacional de Tucumán
josecondeboeck@hotmail.com
Eje temático 6: Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
Resumen:
Tomando como ejemplo la adaptación del psicoanálisis lacaniano realizada por Slavoj Zizek para el análisis de la cultura de masas, en este trabajo procuraremos dar cuenta de las diversas perspectivas que una lectura psicocrítica puede abrir en la interpretación de uno de los filmes más controvertidos de la historia del cine: The Exorcist (1973) de William Friedkin.
Publicado por
Cosme A. Rocchio
El cine documental argentino, la herida en la carne seca
Juan Raúl Rithner
Proyecto de Investigación “Apropiaciones materiales y simbólicas en centros urbanos de la Patagonia Norte”, Facultad de Derecho y Ciencias Sociales, Universidad Nacional del Comahue
Eje: Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
juanrithner@gmail.com
Resumen:
Esta propuesta intenta reflexionar sobre las tendencias en disputa que ocupan las imágenes en la sociedad contemporánea argentina: la industria del espectáculo por una parte, la resistencia audiovisual, por la otra, los cuerpos celebrando construcciones en una festiva amalgama de común unión y, en el otro extremo, la cultura del voyeur, de la visualización de esos cuerpos pero desde afuera, desde una sociedad de preservativos, barbijos, amor telefónico y virtual.La televisión banaliza, descarta y obstaculiza la identificación del espectador con los cuerpos filmados (Jean-Luis Comelli: 2007) mientras que el cine documental procura “hacer aparecer lo que está en el cuerpo del sujeto y relacionarlo con el del espectador y el del resto del mundo” (Josefina Sartora: 2001). Industria del espectáculo y resistencia audiovisual operan, con diferentes procesos de construcción de sentidos y en constante creativo conflicto, en el registro, interpretación y promoción de comportamientos humanos cada vez más individuales que se desenvuelven en una sociedad - archipiélago donde cada isla lucha para garantizar su inviolabilidad y sobrevivencia.El cine opera como grieta en la pared de una sociedad progresivamente espectadora, una pared que se solidifica, y se instala como herida de difícil cicatrización en la carne cada vez más seca del sistema. Este cine no es ingenuo ni merece una lectura ingenua ya que, obra a obra, construye, como lo hacen los cuerpos en la fiesta de unirse, un proceso de deconstrucción y reconstrucción de sentido que apunta hacia una posible transformación de la realidad.
Proyecto de Investigación “Apropiaciones materiales y simbólicas en centros urbanos de la Patagonia Norte”, Facultad de Derecho y Ciencias Sociales, Universidad Nacional del Comahue
Eje: Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
juanrithner@gmail.com
Resumen:
Esta propuesta intenta reflexionar sobre las tendencias en disputa que ocupan las imágenes en la sociedad contemporánea argentina: la industria del espectáculo por una parte, la resistencia audiovisual, por la otra, los cuerpos celebrando construcciones en una festiva amalgama de común unión y, en el otro extremo, la cultura del voyeur, de la visualización de esos cuerpos pero desde afuera, desde una sociedad de preservativos, barbijos, amor telefónico y virtual.La televisión banaliza, descarta y obstaculiza la identificación del espectador con los cuerpos filmados (Jean-Luis Comelli: 2007) mientras que el cine documental procura “hacer aparecer lo que está en el cuerpo del sujeto y relacionarlo con el del espectador y el del resto del mundo” (Josefina Sartora: 2001). Industria del espectáculo y resistencia audiovisual operan, con diferentes procesos de construcción de sentidos y en constante creativo conflicto, en el registro, interpretación y promoción de comportamientos humanos cada vez más individuales que se desenvuelven en una sociedad - archipiélago donde cada isla lucha para garantizar su inviolabilidad y sobrevivencia.El cine opera como grieta en la pared de una sociedad progresivamente espectadora, una pared que se solidifica, y se instala como herida de difícil cicatrización en la carne cada vez más seca del sistema. Este cine no es ingenuo ni merece una lectura ingenua ya que, obra a obra, construye, como lo hacen los cuerpos en la fiesta de unirse, un proceso de deconstrucción y reconstrucción de sentido que apunta hacia una posible transformación de la realidad.
Publicado por
Cosme A. Rocchio
El audiovisual, los movimientos sociales neuquinos
Autoria: María Haydée Escudero
Institución: Facultad de Derecho y Ciencias Sociales. Universidad Nacional del Comahue
Eje temático: Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
Correo Electrónico: hescuder@calfnet.com.ar hescuder@uncoma.edu.ar
Resumen:
La diversidad tecnológicas y los diferentes cambios socio económicos que han ocurrido en las últimas dos décadas en nuestro país, hizo posible una diversidad amplia de manifestaciones en la expresión audiovisual.Gracias al aporte importantísimo que tuvo el desarrollo de las nuevas tecnologías audiovisuales, reemplazando el soporte analógico por el digital, nos encontramos con un caudal vasto, de producciones audiovisual por parte de diferentes organizaciones sociales; como los sindicatos, los gremios, y organizaciones sociales en general.El propósito de esta presentación, será indagar a cerca de las diferentes producciones audiovisuales que en la Provincia de Neuquén, se realizaron a partir de 1989.Dentro del concepto amplio de comunicación audiovisual nos remitiremos a las producciones cinematográficas de corte documental a fin de realizar un análisis sobre la articulación de la imagen y el sonido , cómo movilizador de grupos organizados en diferentes organizaciones sociales.Román Gübern dice en ese sentido que. “El cine es un medio de comunicación que evidentemente no tiene la linealidad del lenguaje escrito y el lenguaje verbal. Un medio de comunicación que expresa a través de la imagen y el sonido que son simultáneos, y en el que la imagen tiene un carácter formal de tipo sinóptico, una combinación de signos que coexisten en el espacio.”
Institución: Facultad de Derecho y Ciencias Sociales. Universidad Nacional del Comahue
Eje temático: Cine, fotografía y nuevas culturas de la imagen
Correo Electrónico: hescuder@calfnet.com.ar hescuder@uncoma.edu.ar
Resumen:
La diversidad tecnológicas y los diferentes cambios socio económicos que han ocurrido en las últimas dos décadas en nuestro país, hizo posible una diversidad amplia de manifestaciones en la expresión audiovisual.Gracias al aporte importantísimo que tuvo el desarrollo de las nuevas tecnologías audiovisuales, reemplazando el soporte analógico por el digital, nos encontramos con un caudal vasto, de producciones audiovisual por parte de diferentes organizaciones sociales; como los sindicatos, los gremios, y organizaciones sociales en general.El propósito de esta presentación, será indagar a cerca de las diferentes producciones audiovisuales que en la Provincia de Neuquén, se realizaron a partir de 1989.Dentro del concepto amplio de comunicación audiovisual nos remitiremos a las producciones cinematográficas de corte documental a fin de realizar un análisis sobre la articulación de la imagen y el sonido , cómo movilizador de grupos organizados en diferentes organizaciones sociales.Román Gübern dice en ese sentido que. “El cine es un medio de comunicación que evidentemente no tiene la linealidad del lenguaje escrito y el lenguaje verbal. Un medio de comunicación que expresa a través de la imagen y el sonido que son simultáneos, y en el que la imagen tiene un carácter formal de tipo sinóptico, una combinación de signos que coexisten en el espacio.”
Publicado por
Cosme A. Rocchio
LOS PERSONAJES ARGENTINOS Y ESPAÑOLES QUE SE DEFINEN A TRAVÉS DEL LENGUAJE. ANÁLISIS DE COPRODUCCIONES CINEMATOGRÁFICAS DE LA ÚLTIMA DÉCADA.
Autores: Alfredo Caminos, Fernando Andrés Saad, María Jesús Ruiz Muñoz
ECI - Universidad Nacional de Córdoba,
Universidad de La Punta, San Luis
Universidad de Málaga, España
alfredo_caminos@ciudad.com.ar
saadfernando@yahoo.com.ar
mariajesus@uma.es
Resumen:
Las películas argentinas y españolas han comenzado a incluir personajes de ambas nacionalidades de manera natural, reflejan habitantes de uno y/o otro país en el escenario en los que se desarrolla cada argumento. Si en ocasiones este mecanismo ha sido concebido para justificar argumentalmente las coproducciones entre los dos países citados, cada vez es más frecuente exactamente lo contrario: los personajes adaptados, asimilados, integrados, globalizados. Lo interesante de esta naturalidad es que los personajes sólo crean su identidad a partir del lenguaje, de su manera de hablar y sin otras características que las que surgen del diálogo presente en la obra. Para ilustrar esta situación, se pueden observar dos personajes representativos: Horacio, el futbolista argentino de la obra española "Fuera de Carta" de Nacho García Velilla (2008); y la madre de Paula, una argentina que regresa muy españolizada en el filme "Música de espera" de Hernán Goldfrid (2009).
ECI - Universidad Nacional de Córdoba,
Universidad de La Punta, San Luis
Universidad de Málaga, España
alfredo_caminos@ciudad.com.ar
saadfernando@yahoo.com.ar
mariajesus@uma.es
Resumen:
Las películas argentinas y españolas han comenzado a incluir personajes de ambas nacionalidades de manera natural, reflejan habitantes de uno y/o otro país en el escenario en los que se desarrolla cada argumento. Si en ocasiones este mecanismo ha sido concebido para justificar argumentalmente las coproducciones entre los dos países citados, cada vez es más frecuente exactamente lo contrario: los personajes adaptados, asimilados, integrados, globalizados. Lo interesante de esta naturalidad es que los personajes sólo crean su identidad a partir del lenguaje, de su manera de hablar y sin otras características que las que surgen del diálogo presente en la obra. Para ilustrar esta situación, se pueden observar dos personajes representativos: Horacio, el futbolista argentino de la obra española "Fuera de Carta" de Nacho García Velilla (2008); y la madre de Paula, una argentina que regresa muy españolizada en el filme "Música de espera" de Hernán Goldfrid (2009).
Publicado por
Cosme A. Rocchio
NUEVAS RAZONES DE LA IMAGEN: LUCRECIA MARTEL Y EL CINE ARGENTINO CONTEMPPORANEO
Lic. Lía G. Gómez
Facultad de Periodismo y Comunicación Social. UNLP.
Cine, Fotografía, y nuevas culturas de la imagen.
lialaig@gmail.com
Resumen:
Lucrecia Martel como paradigma de la mirada de una generación de cineastas que perciben el mundo social y lo expresan a través de la imagen. Síntoma profundo de las corrientes cinematográfica argentinas, Martel abre un nuevo sentido de representación y percepción del universo de lo real, social y cotidiano, como lenguaje necesario para la comprensión de lo social hacia el propio campo de relativa autonomía del que hacer estético y hacia, en un modo dialectico, de los otros campos de la actividad social.
Con una metodología de análisis discursivo fílmico y contextual se analiza cómo se construye una manera cultural y simbólica de los procesos sociales de significación en el Campo audiovisual argentino. En un mundo contemporáneo atravesado por la imagen, se intenta comprender no solo la complejidad de los vínculos sociales, tal como son escenificados en su performans, sino también la diferencia de esa forma peculiar de organización que el mundo presenta, implica, desborda a los sujetos, a la experiencia, a los saberes y a los cotidianos.
Facultad de Periodismo y Comunicación Social. UNLP.
Cine, Fotografía, y nuevas culturas de la imagen.
lialaig@gmail.com
Resumen:
Lucrecia Martel como paradigma de la mirada de una generación de cineastas que perciben el mundo social y lo expresan a través de la imagen. Síntoma profundo de las corrientes cinematográfica argentinas, Martel abre un nuevo sentido de representación y percepción del universo de lo real, social y cotidiano, como lenguaje necesario para la comprensión de lo social hacia el propio campo de relativa autonomía del que hacer estético y hacia, en un modo dialectico, de los otros campos de la actividad social.
Con una metodología de análisis discursivo fílmico y contextual se analiza cómo se construye una manera cultural y simbólica de los procesos sociales de significación en el Campo audiovisual argentino. En un mundo contemporáneo atravesado por la imagen, se intenta comprender no solo la complejidad de los vínculos sociales, tal como son escenificados en su performans, sino también la diferencia de esa forma peculiar de organización que el mundo presenta, implica, desborda a los sujetos, a la experiencia, a los saberes y a los cotidianos.
Publicado por
Cosme A. Rocchio
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